Kunst im Zentrum
Susanne Immer: Bildhauerin und Objektkünstlerin
Rot ist die bevorzugte Farbe der Linien aus Stahl die sich in den Raum hineinbewegen. Damit setzt Susanne Immer die Verbindung von Objekt und Zeichnung. Susanne Immer ist in Bielefeld geboren, lebt und arbeitet seit Jahrzehnten in Reutlingen. Sie absolvierte die Hochschule für Bildende Künste in Braunschweig und war unter anderen Stationen an der École des Beaux Arts in Nîmes. Ihre Liste der Preise, Stipendien und Kunst am Bau Projekte ist beachtlich, ebenso ihre Ausstellungen im In- und Ausland. „Ruhendes – etwa stillgelegte Fabrikationsanlagen, die ich während meines Studiums an der Kunsthochschule in Braunschweig mit großer Neugier betrachtete und mir dabei die wieder einsetzenden Produktionsabläufe vorstellte –, stehendes Wasser, das plötzlich zu fließen beginnt, oder gespannte Gummiringe, die nach einiger Zeit zerfasern: All das fasziniert mich. Es ist der (scheinbare) Stillstand, dem die Möglichkeit zur Bewegung immanent ist. Die Möglichkeit von Veränderung und Wandel – und innerhalb der einmal eingeschlagenen Bewegungsrichtung zugleich die Perspektive auf eine Richtungsänderung.“
Susanne Immer / VG-Bild
Ruth Kasper: Fotokünstlerin
Die künstlerische Arbeitsserie „structures“ basiert auf Fotografie und widmet sich den Strukturen der Natur. Die Künstlerin, ausgebildet im Fotodesign an der Adolf-Lazi Akademie in Esslingen und mit einem weiteren Studienaufenthalt am Colorado Mountain College (USA), kann auf Ausstellungen im In- und Ausland verweisen und ist u. a. stellvertretende Vorsitzende der Fachgruppe Fotografie/Medien der GEDOK sowie Mitglied im BBK. Ausgangspunkt jeder Arbeit ist ein fotografisches Motiv, das jedoch nicht als reine Abbildung bestehen bleibt. Vielmehr entsteht ein spannungsreicher Dialog zwischen Fotografie und freier künstlerischer Interpretation. Die Werke sind einerseits Fotoabzüge hinter Acrylglas und als Mischtechnik Fotodruck auf Leinwand und anschließend mit Acrylmalerei ergänzt. So verschmelzen Realität und Abstraktion zu einer neuen Bildsprache. Charakteristisch ist dabei das Spiel zwischen Sichtbarkeit und Andeutung: Das ursprüngliche Motiv bleibt fragmentarisch erkennbar oder löst sich beinahe vollständig auf. Betrachtende sind eingeladen, eigene Assoziationen zu entwickeln und ihre Kreativität frei zu entfalten.
Ausstellungsdauer: 18. Juli 2026 bis 28. November 2026
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Öffnungszeiten: Montag bis Freitag, 9:00 – 16:00 Uhr
Eintritt frei
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Rückblick
… in der Reihe Symbiozän
In der Reihe Symbiozän zeigen wir Ihnen zwei Mal im Jahr künstlerische Positionen. Der Begriff Symbiozän ist ein hochaktueller Begriff, der in Wissenschaft, Architektur und Kunst Verwendung und Anwendung findet. Er ist eine Verschmelzung von Symbiose und Anthropozän. Als Anthropozän wird unser Zeitalter bezeichnet. Es ist das menschgemachte Zeitalter, der Mensch formt und prägt die Erde wie nie zuvor. Die Symbiose ist ein Begriff aus der Biologie und bezeichnet das Zusammenleben unterschiedlicher Arten. Symbiozän meint also die Verwebung von menschgemachten Materialien und Objekten im Zusammenschluss mit der Umwelt zu etwas Neuem.
Kuratorin | Ruth Rosa Stützle-Kaiser, Kunsthistorikerin und Kulturwissenschaftlerin M.A. | www.ruthrosa.de
„Alles ist Natur. So wie wir Menschen ist auch Landschaft ein Bestandteil davon. Landschaft, Bäume, Gräser sind keine Sachen, sondern lebendige Wesen. Wenn wir diese Tatsache annehmen, können wir auch in einen Dialog mit der Landschaft treten. Nur mit dieser Haltung kann ich mich in meinen Bildern dem Thema Landschaft und Natur nähern. Das ist die Grundlage all meines Sehens und Arbeitens, und nur so kann Berührung entstehen. Was mich bei meinen Bildern interessiert und inspiriert, sind die Zwischenräume. Denn es gibt keine definierbaren Grenzen – oder wenn doch, dann sind sie uns unbekannt. Denn alles ist immer in Bewegung, im Fließen und Mäandern. Wie ein Fluss in seinem natürlichen Flusslauf, mit seinem Grund und seinen mitgeführten Sedimenten, seinen Uferzonen, die sich gegenseitig bedingen und beeinflussen, den nie berechenbaren Strudeln, die sich zeitlich und räumlich ständig wandeln. So erleben wir also Landschaft auch in einer zeitlichen Dimension. Die Tatsache, dass auch Zeit keine feste Größe, sondern eine wandelbare Dimension ist, können wir, glaube ich, in der Landschaft besonders stark erleben. Gerade diese Dimension ist es, die mich in meinen neuesten Arbeiten besonders beschäftigt. So bleibt das Thema Landschaft für mich eine Reise, die mich seit jeher begleitet hat.“
Günter Kaiser ist 1960 in Hornberg geboren und verbrachte seine Kindheit in Gremmelsbach, einem kleinen Schwarzwalddorf. Nach Besuch der Meisterschule in Heilbronn 1985 und Ausbildung zum Restaurator im Stuckateurhandwerk in Leonberg 1987 hat er zusammen mit Bruder Werner den elterlichen Betrieb übernommen. Von 1996 bis 2001 besuchte er, neben seinem Beruf, die freie Kunstakademie Rhein-Ruhr in Krefeld in der Klasse von Feith Johannes Stratmann. Seitdem wurden seine filigranen Zeichnungen und Malereien, meist in Öl auf Leinwand ausgeführt, in verschiedenen Städten Deutschlands ausgestellt. Als Stuckateur und Restaurator hat er sich einen Namen durch zahlreiche renommierte Projekte in Süddeutschland gemacht. Seine Arbeit als Stuckateur, als Restaurator sowie als Maler, verwurzelt in der Landschaft des Schwarzwaldes, prägten sein Leben und sein künstlerisches Werk.
Ausstellungsdauer: 24. Januar 2026 bis 30. Juni 2026
Vernissage: 23.01.2026
Finissage am Freitag 26. Juni 2026, Beginn 15:30 Uhr
Günter Kaiser führt durch die Ausstellung
Musikalische Umrahmung von Ruth Brandner, Vocal und Hans Fickelscher mit dem Klanginstrument „Hang“.
Anschließend offene Gesprächsrunde zum Thema „Kunst im Symbiozän“ – Bedeutung und Möglichkeiten.
Rémy Trevisans Werke sind kein spontaner Selbstausdruck, sondern ein kalkuliertes, austariertes Zusammenspiel von Farb- und Formbewegung. Die genaue Betrachtung der Natur und die Inspiration durch die Natur ist in seinen Bildern spürbar, auch wenn sie vom realen Naturvorbild losgelöst rein abstrakt erscheinen. Abstraktion ist jedoch in allen Dingen. Seine verschlungenen netzartigen zeichnerisch-malerischen Gebilde erinnern an ein Mycel, dem weitverzweigten unterirdischen Netzwerk einiger Pilzarten. Ohne Pilze könnte kein Lebewesen auf der Erde in der jetzigen Form existieren, doch ihre Bedeutung im Netzwerk des Lebens wird meist unterschätzt. Ihre Fähigkeit vielfältige Symbiosen einzugehen ist erstaunlich. Und damit sind wir sowohl bei dem Titel unserer Ausstellungsreihe „Symbiozän“, der die Verknüpfung von menschgeformter Welt und Natur meint, als auch ganz bei Rémy Trevisans Werken, die mit „Netzwerk des Lebens“ nicht treffender umschrieben werden können. Ab 2016 sehen wir in den abstrakten Strukturen Schatten menschlicher Wesen. Es sind tröstliche visionäre Bilder, in einer Welt, die gegenwärtig von Ausgrenzungen gezeichnet ist, eingebunden zu sein und im stetigen Austausch zu stehen mit einem großen vitalen Netzwerk, wo Natur und Mensch ungetrennt erscheinen.
Rémy Trevisan ist 1959 in Frankreich, in Chaumont, geboren. Als junger Mann geht er auf eine einjährige Reise nach Südostasien, Indien und Nordafrika. Sie prägt ihn und er kehrt als ein anderer und mit dem Vorsatz Maler zu werden zurück. Professor Rudolf Schoofs an der staatlichen Akademie der bildenden Künste Stuttgart, an der Rémy Trevisan von 1984 – 1988 studierte, fördert sein zeichnerisches Talent. Weitere Studiengänge an der Sorbonne in Paris und im Bereich der Kunsttherapie folgen. Zahlreiche Preise und Stipendien sowie Ankäufe für öffentliche Sammlungen begleiten sein Lebenswerk. Er lebt und arbeitet seit 1987 als freischaffender Künstler in Schramberg und bis 2018 auch in Frankreich.
Ausstellungsdauer: 18. Januar 2025 bis 30. Juni 2025
Bilder ©VG-Bildkunst, Bonn
Vernissage: 17.01.2025
Die Verknüpfungen der analogen und der digitalen Welt bilden eine wichtige Grundlage der künstlerischen Arbeiten von Sabine Schäfer. Mikro- und Makrokosmos der Natur und der Erde sind durch Klang und Bild wahrnehmbar. Der Audio-QR-Code in Form eines Schmetterlings ist fester Bestandteil vieler ihrer interaktiven Grafiken. Er dient dazu, die Audio-Kompositionen der Bildwerke über ein Tablet oder Smartphone anzuhören. Der Klangmikrokosmos von Tierstimmen wird in den Kompositionen der Künstlerin hörbar. So auch in den Glas-Klang-Objekten „Natura Sonus“, die in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Rosemarie Vollmer entstanden sind. Künstlerisch wird die Fledermaus in Klang und Bild thematisiert, als Symbolträgerin für die bedrohte Artenvielfalt. Bei „Ausblicke, Europäische Hauptstädte bei Nacht“ liegt der Fokus auf dem Energiehunger der Konsumgesellschaften. Satellitenaufnahmen der Weltraumstation ISS wurden grafisch aufbereitet. Mit einer Bild-Scan-App kann man Videoanimationen über die hell erleuchteten Straßenzüge erleben.
Sabine Schäfer ist Medienkünstlerin und Komponistin. Sie entwickelt multimediale, computergesteuerte Raumklang-Installationen und interaktive Werke mit Augmented Reality. An der Staatlichen Hochschule für Musik in Karlsruhe absolvierte sie ein Kompositionsstudium bei Wolfgang Rihm. 1992 schloss sie dieses mit ihrem Konzertexamen ab. Ein Auslandsstipendium des Deutschen Akademischen Austauschdienstes ermöglichte ihr 1989 einen Aufenthalt an Computermusikzentren in den USA und den Niederlanden. 1993 erhielt sie den Siemens-Medienkunstpreis. Ihre Werke sind unter anderem Bestandteil der Sammlung des ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe. Sie ist Gastdozentin an der Hochschule der Künste Bern (CH) und übt zahlreiche beratende Tätigkeiten in verschiedenen Gremien aus. Sie lebt und arbeitet in Karlsruhe.
Ausstellungsdauer: 29. Juni 2024 bis 7. November 2024
Das Material von Serge Le Goff ist der Raum selbst, mit seinen fassbaren und subjektiven Eigenschaften. Eines seiner bevorzugten künstlerischen Mittel ist das Licht. Zweckentfremdete und von ihrer ursprünglichen Funktion befreite Arbeitsmaterialien, wie Gipserwerkzeuge und Gerüstteile, werden zur skurrilen und flüchtigen künstlerischen Plastik. Beleuchtungsgeräte und Reflexfolien werfen buntes Licht und Schatten auf diese Konstruktion und ihre Umgebung. Durch feine Überschneidungen der farbigen Lichtschatten, hervorgerufen durch die von ihm angestrahlten Werkzeuge, werden diese zu etwas Schwebendem, Erhabenem. Die Malerei von Gabriele Eberspächer verhält sich dazu kongenial. Die zweiteiligen Bilder zeigen jeweils Dreieckspaare in komplementären Farbschichtungen. Die beiden Bildteile gehören zusammen, ihre Anordnung ist jedoch variabel. Durch das Nass- in Nass-Spachteln von bis zu vier Farbtönen ineinander entsteht eine Farbfläche, die gleichzeitig Dichte und Transparenz besitzt. Zum Schluss wird eine weiße Farbschicht mit dem Pinsel aufgetragen, wobei jeweils eine Dreiecksform ausgespart wird. Die spiegelbildliche Dreiecksform in einer Kontrastfarbe erzeugt bei den Bildpaaren eine Dualität, die sowohl auf Spannung als auch auf Harmonie beruht.
Serge Le Goff ist in Paris geboren. Er kam nach dem Studium der Modernen Französischen Literaturwissenschaft durch den Militärdienst 1975 in die Universitätsstadt Tübingen, wo sein künstlerisches Leben begann. Gabriele Eberspächer ist bei Stuttgart geboren und studierte an der Freien Kunstschule Nürtingen. Es folgte eine Ausbildung als Goldschmiedin. 1989 lernten die beiden sich kennen. Jeder hatte bereits zuvor seine individuelle künstlerische Richtung eingeschlagen. Inzwischen realisieren sie auch gemeinsame Installationen, bei denen Licht und Malerei auf besondere Weise aufeinandertreffen. Im gemeinsamen Kuratieren von Kunstevents findet ihre Zusammenarbeit eine weitere Bereicherung.
(www.gabriele-eberspaecher.de, www.kunst-stoff.fr)
Ausstellungsdauer: 20. Januar bis 31. Mai 2024
Das Künstlerduo Ariane Faller und Mateusz Budasz integriert in seinen Kunstwerken an dem jeweiligen Ausstellungsort Vorgefundenes, wie etwa Paletten oder Pappkartons. Überbleibsel, die vom Transport des unendlichen Warenflusses zeugen. Faller und Budasz Kunstwerke sind zeitlich begrenzte und für den Ausstellungsort einmalige Konstruktionen. Lose zusammengefügt mit Schraubzwingen und Bändern werden Gebrauchsgegenstände zu Kompositionen, temporäre fragile Kunstwerke, die am Ausstellungsende wieder zu Einzelteilen und ihrer ursprünglichen Funktion rückgeführt werden können. In einer von immer neuen Waren berauschten Welt pure Nachhaltigkeit und Widerstand. Malerei und Zeichnung blieben über all die Jahre ihrer Zusammenarbeit ihre zentralen Themen und wagten sich immer weiter in den Raum hinein, in einem spannungsvollen Spiel zwischen Linie, Fläche und Farbe.
Seit nun zwanzig Jahren arbeiten Ariane Faller, 1978 in Furtwangen und Mateusz Budasz, 1979 in Pozna/Polen geboren, zusammen. Sie studierten an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe, Ariane Faller u. a. bei Prof. Silvia Bächli. Mateusz Budasz war Meisterschüler bei Prof. Leni Hoffmann. Außer ihren eigenen zahlreichen Ausstellungen sind beide in der Kunstvermittlung und als Kuratoren tätig. „Gemeinsam zu arbeiten bedeutet nicht, ein Stück von sich selbst aufzugeben – wohl aber, von Zeit zu Zeit intensiv zu diskutieren, zu streiten, zu ringen, bis etwas zum Funktionieren gebracht werden kann. Das ist so schwierig wie es manchmal einfach ist, aber es stellt immer eine großartige Bereicherung dar.“ (faller-budasz.de)
Ausstellungsdauer: 12. Juli 2023 bis 23. November 2023
Als Fernando Magellan im 16. Jahrhundert auf der Suche nach einer Passage zwischen Atlantik und Pazifik an einer Insel vorbei segelte, auf der viele Lagerfeuer brannten, nannte er sie Feuerland. So heißt sie bis heute, ungeachtet dessen, wie die Einheimischen sie genannt haben. Bezeichnungen und Benennungen sind immer ein Stück weit auch menschliches in Besitz nehmen, seien es Tiere, Pflanzen oder Objekte. Das Schöne an den Objekten und Installationen von Paul Schwer ist deshalb, dass sie sich der Bezeichnungen verwehren. Sie machen einen sprichwörtlich „sprachlos“. Im allgemeinen Welt-Sprachgetöse stellt sich eine wohltuende Stille im Kopf für die Betrachtung der seltsam poetisch anmutenden Formen und Installationen ein. Es gibt keine klaren Grenzen zwischen Bildern an der Wand und Objekten/Bildern im Raum. Jeder Blickwinkel von jedem Standpunkt ergibt eine neue Komposition. Die BetrachterInnen werden quasi integriert in ein Raumbild.
Paul Schwer ist 1951 in Hornberg im Schwarzwald geboren und lebt und arbeitet heute in Rating und Düsseldorf. Er studierte bei Prof. Erwin Heerich an der Kunstakademie Düsseldorf und Medizin in Straßburg bzw. Heidelberg. An der Universitätsklinik Essen war er Arzt für Kinder- und Jugendpsychiatrie. Seit 1993 arbeitet er ausschließlich für seine Kunstprojekte, zahlreiche auch internationale Auszeichnungen, Stipendien und Professuren folgten. Seine Kunstwerke sind inzwischen weltweit zu sehen, nun auch im Kompetenzzentrum in Rutesheim. (paulschwer.de)
Ausstellungsdauer: 21. Januar 2023 bis 26. Juni 2023
„Mit dem Material reden, es antwortet bestimmt.“
Mit dem Bildhauer und Zeichner Gert Riel eröffnet das Branchenzentrum seine neu aufgestellte Reihe „Symbiozän“. Gert Riel, beheimatet in Remshalden-Buoch, studierte Bildhauerei an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart und unterrichtete selbst jahrzehntelang ebenda. Zahlreiche Gebäude tragen seine Handschrift durch Aufträge „Kunst im öffentlichen Raum“. Seine Objekte finden sich in nationalen und internationalen Sammlungen. Seit Beginn seines künstlerischen Schaffens beschäftigt er sich mit Metall. Er entwickelt seine Skulpturen ganz aus den Bedingungen und Möglichkeiten des Materials heraus. Sie basieren auf seiner Vertrautheit mit dem Werkstoff, auf seiner Erfahrung hinsichtlich dessen Verhaltens. In seinen neuesten Arbeiten, die im Branchenzentrum zu sehen sind, setzt er Stahlplatten mit Synthetik-Seilen oder -Gurten unter Spannung. Etwa eine zwei Meter hohe und vier Meter lange Stahlplatte kommt durch ein diagonal an ihren Rändern befestigtes und gespanntes Seil aus dem Lot, verdreht sich, lagert nur noch an zwei Stellen auf und erscheint plötzlich erstaunlich leicht. (www.gertriel.de)
Ausstellungsdauer: 22. Juni 2022 bis 28. Oktober 2022
